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El cine como una máquina que genera empatía

Protesta durante la premiere de Birth of a nation, 1915

  La cultura visual toma muchas formas y vehículos, tales como la televisión, el dibujo y la fotografía. Pero es en el cine donde podemos encontrar una serie de elementos que lo hacen “…una máquina que genera empatía” (ROGER EBERT). Primero, es crucial saber que entendemos como cultura visual al igual que empatía. Se ha describido la cultura visual como “…los acontecimientos visuales en los que el consumidor busca la información, el significado o el placer, conectados por la tecnología visual” (MIRZOEFF). Este tipo de cultura ha estado presente en nosotros desde el comienzo de nuestra historia. Se puede observar en las pinturas rupestres que han existido por más de cuarenta mil años. Los seres humanos de esa época utilizaban métodos primitivos de pintura para plasmar visualmente sus experiencias diarias en las paredes de las cuevas.

Aunque el método haya cambiado en los siguientes miles y miles de años, la meta detrás de plasmar nuestras experiencias visualmente para el consumo de otras personas sigue siendo la misma, generar empatía en el espectador, que sean testigo de nuestra existencia. Es con la empatía que somos capaces de ver el mundo a través de la perspectiva de otros individuos, sin importar su nación, edad, género o color de piel. Este trabajo busca explorar cuáles son las herramientas que el cine implementa a través de los años en su cultura visual para causar empatía en el espectador y cuáles son las posibles consecuencias de ello.

En el siglo diecinueve ocurre uno de los cambios más drásticos en la cultura visual gracias a la invención de la fotografía y el cine en Francia por los hermanos Lumière y Joseph Nicéphore Niépce. En el comienzo estas cámaras se utilizaban mayormente para capturar cosas mundanas como una persona estornudando o saliendo de una fábrica, precursores a producciones documentalistas, pero poco después se vio el potencial para transportar a sus audiencias a vidas y mundos diferentes como se puede observar en A trip to the moon , del cineasta francés, Georges  Méliès. A través de las décadas, el lenguaje cinemático fue madurando en gran parte por los trabajos de cineastas como D.W. Griffith, creando su propia cultura visual con reglas y normas para facilitar la inmersión entre la audiencia y la historia presentada en la pantalla.  Es importante saber cuáles son estos elementos del cine que forman el vocabulario de su lenguaje para mejor entender porqué es tan efectivo en generar empatía en su espectador.

En el comienzo…

 …solo existía la imagen. Una toma fija, sin color, edición compleja, sonido o narrativa. La maduración de esta séptima arte le da la bienvenida a todos estos elementos y muchos más, ayudándonos a continuar la tradición humana de contar historias que nos ayudan a relacionarnos con nuestros entornos y con el resto de la humanidad. Lo que distingue el cine entre las demás artes, es la manera en la que esta combina varios elementos encontrados en estas distintas artes, para crear una experiencia única y compleja. El uso de la música, el enmarque fotográfico, la escritura en el guión, la actuación, vestimenta y maquillaje, en conjunto con elementos nativos al cine como la edición o montaje, crean una combinación que no se puede experienciar con tan solo observar una pintura, escuchar una canción, leer un libro o ver una obra de teatro. No cabe duda de que todas estas formas artísticas proveen sus propias experiencias únicas, pero al ser utilizadas en conjunto bajo el lente de un filme tienen el potencial de tocar las vidas de individuos a un nivel masivo, en parte gracias a su gran alcance.

Al contrario de una obra de teatro o un evento musical, en el cine no hay que gastar cientos de dólares para poder apreciar lo mejor que este arte y sus artistas pueden ofrecer. Y con el boom del streaming dentro de la era digital del siglo XXI, es aún más fácil consumir estas producciones desde la comodidad de tu propia casa, al igual que es más sencillo acceder filmes pasados y extranjeros previamente inalcanzables a sociedades fuera de su nación de origen. Dicho esto, el efecto psicológico que un filme puede tener en su audiencia no es un resultado accidental, si no el resultado de una serie de artistas trabajando para transmitir una visión, a través de técnica cinemáticas que se han ido estableciendo para este mismo fin de crear empatía y transmitir un mensaje a la audiencia.

El origen del cine

Los hermanos Lumiere

En el periodo primitivo del cine, el instinto original era capturar la vida como es. Vimos en las primeras producciones de  los hermanos Lumière empleados salir de una fábrica, personas estornudando y otros besándose. Aunque servían como representaciones de las maravillas técnicas de sus tiempos, no tomó mucho tiempo antes de que más artistas buscaran cambiar este medio con el fin de transmitir historias más complejas y emocionantes. Personas como Georges  Méliès transfieren sus actos mágicos al igual que sus relatos de ciencia ficción a la gran pantalla, creando nuevas ilusiones a través de la edición, expandiendo el potencial de esta nueva arte.

Georges Méliès

D.W. Griffith y el KKK

Durante este periodo más inventores y artistas americanos buscan hacer sus propias contribuciones a este medio. Uno de ellos es D.W. Griffith, hijo de un padre confederado y nacido solo diez años después de la guerra civil, en Louisville Kentucky, Griffith es reconocido como uno de los padres del cine. Esto es debido a sus grandes contribuciones al lenguaje cinemático que conocemos hoy en día. Griffith fue experimentando con estas técnicas durante su periodo trabajando para la compañía Biograph, en donde dirigió más de cuatrocientos cortometrajes. Aquí es donde podemos ver el uso de técnicas ahora comunes como una toma amplia para establecer la localización, close ups en la cara para demostrar la emoción de los actores claramente, o en objetos para indicar su importancia, al igual que técnicas de edición en donde varias tomas se colocan en secuencia para dar la sensación de varios eventos ocurriendo simultáneamente. También utiliza el fade in y el fade out para indicar el comienzo y el fin de una escena o historia. Para muchos es difícil imaginar un tiempo en donde el cine no implementaba todas estas técnicas para contar sus historias, pero para las audiencias a principios del siglo  XX, estas ideas formaban parte del nuevo vocabulario de un arte emergente con el potencial de afectar a un público en grandes masas.

D.W. Griffith

         Este efecto puede tener varias consecuencias de distintos resultados. En el 1915, D.W. Griffith utiliza sus técnicas cinematográficas al dirigir uno de los filmes más controversiales y exitosos en la historia del cine, The birth of a nation. Con una duración de tres horas, tomando lugar después de la guerra civil, vemos en gran escala, una interpretación de los Klu Klux Klan como héroes protegiendo a los ciudadanos de la locura del hombre negro. Interpretados por actores blancos en maquillaje negro, todas sus acciones son violentas, descontroladas y salvajes, transmitiendo al espectador una imagen prejuiciada y claramente racista de la raza negra. Mientras el hombre blanco es plasmado como el héroe en búsqueda de salvar a los ciudadanos indefensos, en particular las mujeres blancas y víctimas recurrentes del filme. Una de las maneras en la que los héroes del filme contraatacan a sus antagonistas es a través de la implementación del Ku Klux Klan.

El Ku Klux Klan

         Establecidos en el 1865, el KKK luchaban en contra del partido republicando que estaba en búsqueda de la igualdad económica y política entre los negros y los blancos. Efectivamente funcionando como un grupo terrorista, la realidad es exactamente opuesta a lo representado en el filme. Aquí se observan ayudando a las personas bajo la opresión agresiva del negro después de la guerra al igual que demostraban el periodo de esclavitud como un periodo positivo, en donde los dueños de esclavos eran amigables con su propiedad humana. En 1915, los nativistas protestantes blancos organizaron un renacimiento del Ku Klux Klan alrededor de Atlanta, Georgia, inspirados en su visión romántica del Viejo Sur, en el libro de 1905 de Thomas Dixon “The Clansman”, luego adaptada por D.W. Griffith como The birth of a nation.

Caltelera promocional para The birth of a nation

The birth of a nation hizo un daño incalculable a los estadounidenses negros al crear una justificación para el prejuicio, el racismo y la discriminación en las décadas siguientes” (JAMES WELDON). También están aquellos como Todd Boyd, profesor para las artes cinemáticas en USC, que nombran a este filme como una de las casusas principales por la que Hollywood continúa siendo una industria llena de prejuicio y discriminación sistemática. En su mayor punto el KKK sostenía más de cuatro millones de miembros alrededor de los Estados Unidos, algunos sectores incluso utilizaban a este filme como parte del reclutamiento de nuevos miembros.  Esto nos sirve como un visceral ejemplo de cómo el lenguaje del cine se puede utilizar para transmitir todo tipo de ideología que pueden causar un verdadero efecto en la sociedad.

Booker T. Washington

         Un aspecto que se debe reconocer es el hecho de que, si existieron aquellos grupos e individuos como, el educador y autor Booker T. Washington y la activista y trabajadora social Jane Adams, que criticaron y protestaron este filme y demandaron que prohibieran la exhibición de él en unos teatros. El impacto fue tanto que Griffith tomó la mayoría de sus ganancias para producir su siguiente filme, Intolerance, en donde criticaba esta censura de sus creaciones. Estas personas no solo querían hablar en contra de los aspectos racistas del filme, si no también de los eventos históricos que fueron erróneamente presentados en la pantalla como nombrar al norte como los causantes de la guerra civil y a los esclavos liberados como dependedores de las ayudas económicas del gobierno. La oscura realidad demuestra como una gran cantidad de esclavos liberados se encontraban en ruinas y continuaban recibiendo discriminación por el resto de sus vidas.

Spike Lee: Infiltrando el odio

Director americano, Spike Lee

         Cineastas contemporáneos como Spike Lee, graduado de la Universidad de Cine de Nueva York, habla sobre cómo su formación académica fue marcada por su experiencia con este filme. Expresa cómo los profesores explicaban en detalle las técnicas cinemáticas que fueron implementadas y cómo contribuyen al impacto emocional de la historia. Sin embargo, estos profesores nunca tocaban en los aspectos sociopolíticos del filme, y las posibles implicaciones y consecuencias de estos. Lee ha utilizado una gran parte de su carrera para representar a estas comunidades y culturas en el mismo medio que por mucho tiempo, los ha representado negativamente. Esto lo podemos ver en uno de sus primeros y filmes más seminales, Do the right thing del 1989, al igual que en uno de los más recientes, Blackkklansman, ganadora del Osar por mejor guión adaptado en el 2019.

Cartelera promocional para Blackkklansman

         En este filme, inspirado por la vida del primer afroamericano y más joven detective del departamento de policías de Colorado Springs, Ron Stallworth, cuenta la historia de su experiencia infiltrando el KKK a finales de los 1970. Al encontrar un anuncio en el periódico en donde el KKK buscaba reclutar nuevos miembros, decide escribir una carta pretendiendo ser un hombre blanco apasionado por unirse a esta organización. Una semana después recibe una llamada por el líder local del KKK David Duke, queriendo saber más de su intención con unirse. Stallworth procede a listar todo tipo de profanidad racista y proclama su intenso odio de cada raza y cultura que no sea puramente blanca. El líder queda impresionado y quiere conocerlo en persona, Stallworth concluye que necesitará un oficial blanco de la policía para actuar como él en estas reuniones durante el resto de la investigación.  Después de 7 meses, la investigación finaliza, proveyendo a los oficiales información valiosa que les permite impedir varios crímenes en planificación, como el bombardeo de dos bares para homosexuales y el robo de armas.

Ron Stallworth

         Lee no solo adapta esta historia y se asegurándose de demostrar la realidad de los tiempos, sino que también toma la oportunidad de hacer las conexiones entre estos eventos de finales de los setenta y los eventos que estaban ocurriendo después de las elecciones del 2016, durante la presidencia de Donald Trump. Él logra esto colocando su estilo propio dentro de las mismas técnicas cinemáticas primero implementadas por D.W. Griffith. Podemos ver en el final del filme como el montaje nos traslada de un periodo a otro no tan distinto como esperábamos. Vemos como nuevos miembros del Klan siguen esparciendo su odio en el siglo XXI más de cien  años después del resultado de The birth of a nation. También vemos una grabación del presidente Donald Trump, proclamando que no todas las personas involucradas eran malas, seguida por una grabación de David Duke usando parte de los discursos de Trump como ejemplo de sus ideas de retomar el país. En la última toma de este montaje vemos la bandera de los Estados Unidos invertida, perdiendo todo su color, dejando solo líneas blancas y negras. 

Neo nazis reunidos en Charlottesville, 2017

Estos filmes nos demuestran como el mismo medio, implementando varios elementos cinemáticos de manipulación emocional, puede causarnos empatía en distintos personajes y puntos de vista. También nos enseña cómo el arte cambia con los tiempos al igual que los tiempos cambian con las artes, coexistiendo en una relación simbiótica en donde sirven como un reflejo de la otra. Es por esto que debemos ser conscientes de estos efectos para mejor entender cómo se presentan y cómo podemos reaccionar a ellos de una manera saludable sin perder la inmersión en la narrativa presentada en la pantalla.

Ambos filmes nos muestran diferentes realidades y perspectivas en un mismo tema. Tener la habilidad de ver ambas nos da la oportunidad de reflexionar en estas distintas perspectivas y llegar a nuestras propias conclusiones. Es mi pensar que ambas piezas tienen valor en sus distintas maneras. Comparto la opinión de Spike Lee al decir que filmes como The birth of a nation o libros como To kill a mockingbird, no deberían ser censurados o prohibidos al público general, si no que deberían ser utilizados como herramientas de enseñanza no solo artística sino social e histórica. También nos permite viajar en el tiempo para no olvidar las crueles verdades que la historia nos ofrece sobre nuestro pasado. Esto nos puede ayudar a trabajar como seres humanos para asegurarnos que no se repitan estas atrocidades en el nombre de ninguna ideología.

La batalla eterna entre el amor y el odio representada por Radio Raheem en Do the right thing.

 Let me tell you the story of Right Hand, Left Hand. It’s a tale of good and evil. Hate: it was with this hand that Cain iced his brother. Love: these five fingers, they go straight to the soul of man. The right hand: the hand of love. The story of life is this: static. One hand is always fighting the other hand, and the left hand is kicking much ass. I mean, it looks like the right hand, Love, is finished. But hold on, stop the presses, the right hand is coming back. Yeah, he got the left hand on the ropes, now, that’s right. Ooh, it’s a devastating right and Hate is hurt, he’s down. Left-Hand Hate KOed by Love.

Radio Raheem

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